Lointitude, le recueil de Patricia Laranco, plonge le lecteur, dès son poème liminaire, au centre des problèmes de l'être, dans le questionnement le plus intime. Les trois vers mis bout à bout : " Effacé…dans le mot…par l'exil" en sont une preuve ainsi que les derniers vers  qui sonnent comme un cri : " Le Rien…/ miroir glacé /où l'on ne peut / se reconnaître ". Il s'agit bien de l'abolition de l'être et par là de ses mots et  de son écriture elle- même. L'homme se trouve réduit à un corps, à une voix,  à un visage et cela " au fond du fond de l'univers " dans le silence et l'obscurité.

Le ton est donné dès les premiers textes où une philosophie se révèle et s'exprime dans de vraies trouvailles. Nous nous y reconnaissons " tissés d'espace et de temps ".

La poétique de l'auteur se nourrit d'éléments concrets, de la pluie, de la peau et un réalisme tout villonnien fait hurler les loups en plein " crépuscule d'hiver " jusqu'à la roche de Lascaux qui suinte.

Quand l'auteure fouille son imaginaire c'est pour conduire son intimité " jusqu' à la racine de l'univers ". Mais s'il y a geste, nous dit-elle, c'est pour mieux se rétracter ", pour " regagner l'état originel ".

Comment exprimer plus clairement, tout en respectant la part de mystère de la poésie contemporaine, la souffrance humaine et ici celle du vrai poète ?

Il faut attendre le coeur du livre pour y lire l'espoir, celui qui vient par les roses. Sont-elles des roses de l'ailleurs, d'Ispahan? Elles sont, en tout cas, les roses du pays des poètes et elles y " vibrent ", comme plus loin vibre la présence des enfants-rois, du firmament et du pain.

Ainsi les variations surprenantes du ton sont-elles une preuve de plus que le réalisme ne nuit pas à la grande et " belle " poésie. En effet comme les roses – et c'est une surprise de plus – est évoqué un visage qui nous tient lieu de légende tant il est beau, celui de la grand-mère. Chaque lecteur de Patricia Laranco ne peut que s'identifier aux éléments fondateurs de la petite-fille devenue poète.

Malgré ces raisons d'espérer, le mot " vacuité " est un cri de plus mais on n'est pas ici à un paradoxe près comme chez tous les poètes-philosophes. Et cette vacuité n'est-elle pas plénitude en fait ? 

L'écriture permet sans doute, comme dans l'athanor des alchimistes, la résolution des contraires, et contient de quoi stopper le vertige devant le " lézardement du réel " évoqué dans " Sensation ".

Mais " Séquelle " nous dit une fois de plus que rien n'est simple. Le texte  qui le suit, en effet, s'appelle tristement " Solitude " et rime, pour faire sens, avec " Lointitude ",  néologisme éponyme ingénieusement créé.

Ce livre circulaire comme dans les cycles de vie et de mort,  nous fait  retrouver, dans la respiration du poème et dans le souffle de l'écriture, la "présence " évidente et torturante de la non-parole, du non-dit.

Mais nous avons été heureusement apaisés le temps de notre lecture. Avant de refermer ce recueil remarquable par ses trouvailles et son message nous avons compris que tout se fait, se pense à cause du " vague-à-l'âme  ".

Aussi Patricia Laranco rejoint-elle l'Olympe des poètes qui, sous d'autres cieux et à d'autres époques, ont défini cet état de l'humanité aux prises avec le " joyau de l' immaculée nuit "et nous ont légué, par l'admirable véhicule de la poésie, leurs souffrances et leurs joies.

Nous ne pouvons que l'en féliciter chaleureusement.

Appel aux spécialistes de l'œuvre de Marguerite Duras et spécialement aux lecteurs de L'Amour qui m'a inspiré les quelques impressions suivantes. Je souhaite, à leur sujet, obtenir, en échange, des remarques ou même des contestations, de toute façon, un dialogue.

L'article n'a pas l'ambition de faire une analyse approfondie ni même synthétique du roman mais plutôt d'essayer de rendre compte des causes qui provoquent l'émotion chez son lecteur au même titre que le fait un texte poétique

Duras ou l'émotion poétique

Marguerite Duras, dès les premières lignes de L'Amour, par l'économie des moyens, suggère du regard le plus pénétrant, observe ses personnages, leurs mouvements, le paysage dans lequel ils évoluent. Cette simplicité induit une émotion nourrie du dépouillement des êtres devant l'absurde, la même émotion que l'on ressent en lisant de la poésie sauf qu'ici ce n'est pas de la poésie.

"Jour" : une soudaine lumière en un seul mot comme un choc pour le lecteur qui se laisse porter. On entre alors dans autre chose. Même si l'histoire semble banale – mais il est vrai qu'on avance sans vraiment comprendre dans un mystère et un monde nouveaux – Duras ménage presqu'à chaque page des surprises avec ses flashes inattendus. Mais elle en dit plus qu'elle n'en a l'air. De la femme " pâle " chaque lecteur dégage ce qu'il sent : la maladie, la solitude qui ne sont pas dites, comme s'il y avait absence de vie intérieure. Les yeux " s'ouvrent douloureusement ", plus loin le geste de la femme est " d'une tendresse désespéré "; Mais que valent ces hypallages par rapport à une poétique qui est ici celle du corps ? Les mots " crient ", " dévorent ", " sang ", continuent à faire choc comme le mot " enfant " qui contrastent inhabituellement avec " bonheur ".

Paradoxalement, si elle ne comporte aucune trace de lyrisme, l'écriture durassienne est porteuse d'une émotion qui la rend proche de la poésie.

L'écrivaine peint par touches juxtaposées sans adjectifs, sans nuances donc. Elle filme partout où porte son regard, contemporaine par un art qui, chez elle, se dépouille, ne tient par rien, à la limite d'un silence qui fait encore miraculeusement musique. Son regard-caméra opère page après page des travellings que nous suivons avec l'obéissance du lecteur qui cherche son émotion  en voulant encore comprendre.

Après Duras, il est difficile d'ex-primer un quelconque silence car elle l'a fait sans cesser de nous nourrir. Nous sommes nourris, entre autres, dans L'Amour par ce cri qui nous a déjà marqués dans Moderato Cantabile.

 Duras et l'absence

A la fin du livre l'absence envahit contradictoirement le texte car elle concerne tout et tous. La nature a disparu, les parcs aussi, la mer  " s'éloigne ". Il ne reste plus que le vent " violent " et le soleil mais celui-ci fait dormir et c'est une autre forme d'absence encore. Après qu'ils se sont arrêtés de marcher, de bouger, plus de mouvement encore pour les personnages pris par le sommeil, nécessité annoncée, dès le début du livre où il s'agissait déjà de dormir ou de mourir. Plus de clefs pour la salle où le bal n'a plus lieu. L'absence règne aussi par les interdits puisqu' " on n'a pas le droit d'ouvrir ". Elle devient soeur de l'oubli quand on lit la phrase-clef prononcée par le voyageur " Je ne sais plus rien " qui rappelle la voix de Rimbaud dans " Matin " criant : " Je ne sais plus parler ".

L'absence envahit jusqu'à l'écriture où se répètent sans cesse les locutions négatives. Ainsi le présent n'apporte-t-il aucune compensation aux objets et souvenirs disparus. Seul revient le mouvement puisque regard il y a toujours, exactement comme la fonction crée l'organe, un mouvement qui suit la marche, les marées, la lumière. La plupart des autres sens sont actifs car on entend les sirènes, on voit du rouge. Il reste ainsi un sursaut de vie avant la catastrophe. Comme si on sortait du rien, du néant avant la décoloration finale, celle de la mer et du ciel, qui nous fait revenir aux premières pages de l'histoire où la couleur avait déjà disparu.

Si les paroles ont été porteuses de silence, le silence, à lui tout seul, a porté le sens, celui de la mort métaphorisée par cette absence nommée par touches successives. Comme si on était en présence du travail d'une photographe aux prises avec le développement de sa pellicule et prisonnière de sa chambre noire. 

Lettre au peintre Georges Badin pour son opus, Livre à Deux Voix,publié chez AEncrages et Co, collection Oculus

Votre livre est à lui-même un petit bijou.

 L'oculus, regard réciproque pour moi de l'artiste et du spectateur, me fascine.

En ouvrant l'ouvrage les couleurs deviennent, comme il est dit à la fin, nos compagnes mais nous sommes dans l'attente du jaune, couleur gagnante.

La ligne passante et séductrice nous retient encore, dites-vous, dans la mémoire nécessaire aux images.

Vous parlez plus bas de l'oiseau qui demande au vent silence comme la voix de la poésie, pour s'exprimer, l'exige aussi.

Et voici Eve soudain présente, elle à qui on ne pense plus assez et qui, pourtant, " sait " le plaisir.

Ensuite, au cœur du livre, sur la seconde peinture, deux lignes sont à leur tour séduites, voire capturées, par un bleu qu'un orage ( ? ) colore en violet et le jaune cherche sur la droite à gagner le terrain.

Puis, dans la suite de votre évocation, vient la musique, préoccupation majeure de tout artiste, qui se nourrit de silence.

Et j'aime, plus encore que la liberté, la présence d'Eros car le désir est commun au poète et au peintre. Il n'est que pour preuve cette phrase de René Char  :" Le poème est l'amour réalisé du désir demeuré désir "

Celui ci, en effet, s'exprime grâce à une syntaxe que vous dites ouverte sur la vie, dans l'émotion et dans l'audace de l'amour au moment où le corps et le support du travail ne font qu'un. 

Odyssée en double, de France Burghelle Rey, 2009, 6,10 euros. Editions Encres Vives :Michel Cosem, 2 Allée des Allobroges 31770 Colomiers

Les poèmes de cette " odyssée en double " évoquent des voyages présents et peut-être à venir comme semble l’annoncer l’effigie du Janus au double visage (tourné à la fois vers le passé et vers l’avenir), qui figure en couverture du recueil .

Le voyage est aussi bien géographique que temporel, physique que spirituel; les lettres-poèmes sont adressées à un être aimé qui saura les accepter et les déchiffrer : " Tu es mon ami au long cours / ma langue abandonnée aux rosiers de l’hiver ". L’auteur sait nous emporter sur l’embarcation de ses mots, car nous "   sommes rédemptés par ces vers / où le silence est neige / où les signes sont routes ".

La poésie de France Burghelle Rey est visitée par un souffle qui rend son écriture très personnelle. Sa missive (mission ?) réelle est sans doute celle de tout véritable poète : trouver le salut dans les mots, et redonner ainsi l’espoir aux lecteurs : " Il faut prendre pour encre / l’eau de la pluie ou l’écume de la mer / Ce monde hostile aura peut-être / une clarté nouvelle "

Eliane Biedermann